Personal films from Spielberg, Iñárritu a fall movie trend

In Steven Spielbergs neuem Film „The Fabelmans“ gibt es einen unglaublich selbstreflexiven Gag, den man sich nur schwer vorstellen kann, außer Steven Spielberg. Das sagt vielleicht nicht viel, denn der ganze Film, ein ausgelassener und nachdenklicher Blick auf die Kindheit und Jugend des Regisseurs, hätte kaum von jemand anderem gemacht werden können. Sein Protagonist, ein filmverrückter Teenager namens Sammy (Gabriel LaBelle), hat gerade sein beachtliches Filmtalent genutzt, um einen Highschool-Nemesis zurechtzustutzen. Das allein ist befriedigend genug, aber dann kommt die Pointe, als Sammy verspricht, nie wieder über den Vorfall zu sprechen – „es sei denn“, fügt er mit gerade genug Prahlerei hinzu, um etwas Applaus vom Publikum zu bekommen, „ich mache einen Film darüber.“

Dieser Film ist natürlich „The Fabelmans“ selbst, in dem der 75-jährige Spielberg liebevoll auf seine Erziehung in den 1950er und 60er Jahren zurückblickt, mit ihrer Mischung aus familiären Umbrüchen, Teenager-Turbulenzen und obsessiver Filmliebe. Kenner des frühen Lebens des Regisseurs werden vieles davon in Sammys sich gemächlich entfaltender Geschichte wiederfinden: seine Zeit als Pfadfinder, seine frühen Kurzfilme, die herzzerreißende Scheidung seiner Eltern (gespielt von Michelle Williams und Paul Dano) und sein antisemitisches Mobbing leidet. Man könnte diesen Film, den Universal am 11. November in die Kinos bringen wird, als ein ungewöhnlich zügelloses Projekt für Spielberg bezeichnen, einen Regisseur, der oft zwischen eskapistischen Nervenkitzeln und gewichtigen historischen Dramen oszilliert. Andererseits, wenn man bedenkt, wie lange es gedauert hat, bis dieser beliebteste aller amerikanischen Regisseure sein frühes Leben im Film festgehalten hat, kann es sein, dass man nach „The Fabelmans“ seine Zurückhaltung bewundert.

Spielberg ist sicherlich nicht der einzige unter den Künstlern, die in letzter Zeit ihr eigenes Leben nach kreativer Inspiration durchforstet haben. Neben „The Fabelmans“ liefen beim Toronto International Film Festival noch einige andere Filme dieser Art, darunter „The Inspection“, Elegance Brattons eindringlicher Debütfilm über seine Erfahrungen als schwuler Mann beim US-Militär. Andere sind in den letzten Wochen und Monaten auf großen Festivals wie Cannes, Venedig und/oder Telluride aufgetreten, darunter „Bardo, False Chronicle of a Handful of Truths“, Alejandro G. Iñárritus gewaltige, suchende Odyssee, inspiriert von seinem Leben, seiner Familie und Karriere, und „Armageddon Time“, James Grays melancholisches Drama, inspiriert von einer schicksalhaften Kindheitsfreundschaft.

Wie auch immer Sie diese Filme nennen – halbautobiografische Dramen, filmische Memoiren, falsche Chroniken einer Handvoll Wahrheiten – sie sind Teil einer Tradition, die mindestens bis in die frühen 1930er Jahre zurückreicht, als Jean Vigo seine erschütternden Internatsjahre destillierte in „Zero for Conduct“ (1933). Dieser Film wiederum erwies sich als wichtige Inspiration für das vielleicht berühmteste Selbstporträt der Kindheit, François Truffauts „Die 400 Schläge“ (1959), obwohl andere sicherlich ihre eigenen Favoriten nennen können, von Federico Fellinis „Amarcord“ (1973) und Ingmar Bergmans „Fanny and Alexander“ (1982) bis John Boormans „Hope and Glory“ (1987) und Terence Davies’ „Distant Voices, Still Lives“ (1988).

Mit anderen Worten, kein neues Phänomen. Dennoch scheint sich der Impuls der Selbsterkundung in den letzten Jahren verselbstständigt zu haben, etwa Greta Gerwigs „Lady Bird“ (2017), Alfonso Cuaróns „Roma“ (2018), Pedro Almodóvars „Pain and Glory“ (2019), Lee Isaac Chungs „Minari“ (2020), Kenneth Branaghs „Belfast“ (2021) und nicht zuletzt „The Souvenir“ (2019) und „ Das Souvenir Teil II“ (2021). Hogg selbst hat einen neuen Film, „The Eternal Daughter“, der hier in Toronto gezeigt wurde und als nächstes auf dem New York Film Festival zu sehen sein wird. Nicht ganz eine Fortsetzung ihrer „Souvenir“-Filme, reiht sie sich dennoch in eine Art lose verbundene persönliche Trilogie ein.

Was hat, wenn überhaupt, diese kollektive Selbsteinschätzung hervorgebracht? So töricht es auch sein mag, zu versuchen, eine gemeinsame Sache zwischen einzelnen Künstlern zu finden, die an ihren eigenen unterschiedlichen und höchst eigenwilligen Projekten arbeiten, mehr als einer hat ihre introspektive Stimmung der Pandemie zugeschrieben. Als er nach der Toronto-Premiere von „The Fabelmans“ auf der Bühne sprach, bemerkte Spielberg: „Als COVID zuschlug, hatten wir alle viel Zeit und wir hatten alle große Angst.“ Er fügte hinzu, dass seine langjährige kreative Partnerschaft mit dem Schriftsteller Tony Kushner (mit dem er gemeinsam das Drehbuch zu „The Fabelmans“ schrieb) dieses Mal mit der Beziehung zwischen einem Patienten und seinem Therapeuten vergleichbar wurde.

Ehre Swinton Byrne in Joanna Hoggs "Das Souvenir Teil II."

Ehre Swinton Byrne in Joanna Hoggs „The Souvenir Part II“.

(A24)

Hogg ihrerseits hatte lange vor der Pandemie (und sogar lange vor den „Souvenir“-Filmen) an „The Eternal Daughter“ gearbeitet, obwohl es die Pandemie war, die ihr die Gelegenheit gab, es zu schaffen. Der Film wurde leise in Wales unter isolierten COVID-19-Bedingungen gedreht und ist eine Art zitternder, spärlich bevölkerter Genrefilm, in dem Tilda Swinton zwei Frauen spielt – eine Filmemacherin namens Julie und ihre alternde Mutter Rosalind – die gekommen sind, um in einem zu bleiben abgelegenes Hotel kurz vor Weihnachten. Julie, so stellt sich heraus, hat einen Hintergedanken, Rosalind einen Urlaub zu gönnen: Sie arbeitet an einem Filmprojekt, das sich auf die Erinnerungen ihrer Mutter an dieses alte Haus stützt, in dem sie einen Teil ihrer Kindheit während des Krieges verbrachte. Ihr Dilemma – wie man den Stoff des Lebens in ein wahrheitsgemäßes, bedeutungsvolles und nicht ausbeuterisches Kunstwerk verwandelt – ist in hohem Maße auch Hoggs Kampf.

Wie „The Fabelmans“, ein Film, dem er ansonsten in keiner Weise ähnelt, zeigt uns „The Eternal Daughter“ seinen Schöpfer – oder eine Version seines Schöpfers – beim Akt des Kunstschaffens. (Die erste Seite des Drehbuchs, die Julie schreibt, ist die erste Seite, die Hogg selbst geschrieben hat.) Iñárritus „Bardo“, der am 4. November in die Kinos kommt, bevor er am 16. Dezember auf Netflix erscheint, zeigt uns nichts dergleichen , zum Teil, weil sein Alter Ego hier ein anderer Künstlertyp ist: kein zweifacher Oscar-Preisträger, sondern ein gefeierter Journalist und Dokumentarfilmer. Sein Name ist Silverio (er wird von Daniel Giménez Cacho gespielt), und sein Erfolg – ​​und der anschließende Umzug mit seiner Familie nach Los Angeles – hält einen verzerrten Spiegel für Iñárritus eigene widersprüchliche Erfahrung als seltener in Mexiko geborener Künstler, der auf amerikanische Mainstream-Beifall stößt .

Iñárritu, ein langjähriger Empfänger von kritischem Hohn und Bewunderung, hat einige Kritik (einige davon aus dieser Ecke) für die wahrgenommene Arroganz und Nachsicht seiner jüngsten Arbeit bekommen. Aber er hat auch große Unterstützung für den schieren Ehrgeiz und die Kühnheit von „Bardo“ erhalten, einer Art epischer metaphysischer Farce, die viel lockerer, aus den Fugen geratener und surreal konzipierter ist als einige der geradlinigeren, linearen autobiografischen Geschichten, die in dieser Saison entstanden sind. Das Ergebnis ist ein Film, von dem ich nicht sagen kann, dass ich ihn sehr mag, aber ich freue mich trotzdem darauf, ihn noch einmal zu sehen. In seiner Mischung aus Virtuosität und Eigensinn, seinen Passagen der Langeweile und seinen zeitweise schillernden Passagen der Inspiration wirkt „Bardo“ zumindest wie ein ehrlicher Akt der Selbstabrechnung. Das Ausmaß, in dem es uns als egozentrisch und unzugänglich erscheint, kann auch ein Maß dafür sein, wie persönlich und wahrhaftig es ist.

Die persönlichen Elemente sind in Sam Mendes‘ „Empire of Light“, das wie „The Fabelmans“ inmitten der Befürchtungen der Pandemie und insbesondere der Schließung von Kinos konzipiert wurde, indirekter. Dieses romantische Drama, das in den frühen 1980er Jahren in und um ein englisches Küstenkino spielt und in Telluride und Toronto gezeigt wurde und am 9. Dezember bei Searchlight Pictures anlaufen soll, ist streng genommen nicht autobiografisch oder sogar halbautobiografisch, obwohl Mendes das angemerkt hat der Protagonist Hilary (Olivia Colman) teilt einige Erfahrungen mit seiner Mutter. Was für die Erfahrung des Regisseurs hier am relevantesten zu sein scheint, ist der vorübergehend wiederhergestellte Glanz dieses fiktiven Theaters mit seinen mehreren Leinwänden, auf denen Titel gespielt werden, in die er sich wahrscheinlich während seiner eigenen prägenden Jahre als Filmemacher verliebt hat: „Stir Crazy“, „Being There“, „ Wilder Stier.” All dies entfaltet sich vor dem Hintergrund ständig pulsierender rassistischer Gewalt – einschließlich des Brixton-Aufstands von 1981 – die sich auf Hilarys Beziehung zu einem jungen schwarzen Angestellten (Micheal Ward) auswirken wird, ein Zusammenfluss von Ereignissen, die, was auch immer ihre Herkunft ist, nie wirklich wahr erscheinen.

Michael Ward und Olivia Colman in „Sam Mendes“ "Reich des Lichts."

Micheal Ward und Olivia Colman in „Empire of Light“ von Sam Mendes.

(Suchscheinwerferbilder)

Rasse und Rassismus werden viel geschickter in „Armageddon Time“ konfrontiert, einem weiteren Drama aus den 1980er Jahren, obwohl sich dieses in Queens, NY, dem Viertel aus Grays Kindheit entfaltet. Der Film, der nicht weit entfernt von dem Ort gedreht wurde, an dem der Regisseur mit seiner ukrainisch-jüdischen Einwandererfamilie aufgewachsen ist, zeichnet die Freundschaft zwischen seinem heranwachsenden Protagonisten Paul (Banks Repeta) und einem schwarzen Klassenkameraden, Johnny (Jaylin Webb), nach und folgt Pauls allmählicher Erkenntnis der gähnende Privileglücke zwischen ihnen. (Gray hat in Interviews angemerkt, dass sein echter Freund tragisch jung gestorben ist.)

Dieses Setup mag wie ein Rezept für ein liberales Händeringen-Desaster klingen, ist es aber irgendwie nicht, vielleicht, weil das langsam erwachende Bewusstsein eines Kindes für Rassismus leichter zu ertragen ist als das eines Erwachsenen, aber auch, weil Grey die Situation so nuanciert auspackt und greifbarer Schmerz des Bedauerns. Er melkt kein schwarzes Leiden für weiße Tränen; er zeigt uns, so gut er es aus der begrenzten Perspektive eines Kindes kann, wie die Schicksale von Menschen aus verschiedenen rassischen und sozioökonomischen Sphären untrennbar miteinander verbunden sind, auch wenn es die Natur systemischer Ungerechtigkeit ist, zu versuchen, uns vom Gegenteil zu überzeugen.

Filme wie „The Fabelmans“, „The Eternal Daughter“ und „Armageddon Time“ schöpfen Resonanz aus dem Wissen, das wir über das Werk ihrer Filmemacher mitbringen. Aber zwei starke halbautobiografische Filme aus der Festivalernte dieses Herbstes haben die Auszeichnung, Erstlingsfilme zu sein. Das ist an sich kaum verwunderlich, wenn man bedenkt, wie stark und sogar reflexiv einige junge Filmemacher aus persönlichen Erfahrungen schöpfen und sich auf den gemeinsamen künstlerischen Imperativ stützen, „schreibe, was du weißt“.

Aber ein Film wie „Aftersun“, ein ruhig durchdringendes Debüt der in New York lebenden schottischen Regisseurin Charlotte Wells, erhebt sich wunderbar über die Klischees der Indie-Ursprungsgeschichte. Der Film, der von seinem Macher als „emotionale Autobiografie“ beschrieben wird, folgt einem geschiedenen Mann (Paul Mescal) und seiner jugendlichen Tochter Sophie (Frankie Corio) bei einem Sommerurlaub in der Türkei – eine scheinbar glückselige Idylle, die sich fast unmerklich als emotional verdüstert Risse und Risse offenbaren sich. Was „Aftersun“ so ergreifend macht, ist sein Bewusstsein für die flüchtige, unzuverlässige Natur der Erinnerung, etwas, das der Filmemacher mit gelegentlichen Schnitten zu einer älteren Sophie in der Gegenwart betont. Gleichzeitig erkennt Wells diese Vergänglichkeit an und bekämpft sie, indem sie ihre eigene Geschichte – oder eine Version davon – ins Kino bringt. (A24 bringt den Film am 21. Oktober in die Kinos.)

Wenn die Vater-Tochter-Beziehung in „Aftersun“ eine heikle, durchsichtige Sache ist, könnte die Mutter-Sohn-Bindung in Brattons „The Inspection“ kaum unverblümter gezeichnet werden. Ellis (Jeremy Pope), ein junger, schwuler Schwarzer, der auf der Straße lebt, wird von seiner homophoben Mutter (einer aufschlussreichen Gabrielle Union) so gut wie verleugnet und beschließt, sein Leben zusammenzureißen und dem Marine Corps beizutreten. Und das tut er, nur um auf eine noch weit verbreitetere Homophobie zu stoßen – es ist 2005, sechs Jahre vor der Aufhebung der „Nicht fragen, nicht sagen“-Politik des Militärs – und anderen Formen der Diskriminierung in dieser frühen Zeit nach dem 11. September Epoche.

Abgesehen von einem beiläufigen Hinweis auf Ellis’ fotografisches Talent gibt es in diesem angespannten, bewegenden Drama wenig, was darauf hindeutet, dass er das Zeug zu einem zukünftigen Filmemacher hat. Die bloße Existenz dieses feinen Films ist natürlich der ganze gegenteilige Hinweis, den wir brauchen.

https://www.latimes.com/entertainment-arts/movies/story/2022-09-15/fabelmans-spielberg-bardo-inarritu-personal-films Personal films from Spielberg, Iñárritu a fall movie trend

Sarah Ridley

USTimesPost.com is an automatic aggregator of the all world’s media. In each content, the hyperlink to the primary source is specified. All trademarks belong to their rightful owners, all materials to their authors. If you are the owner of the content and do not want us to publish your materials, please contact us by email – admin@ustimespost.com. The content will be deleted within 24 hours.

Related Articles

Back to top button