Review: OCMA opens: The good, the confounding and lack of seating

1987 kündigte das kleine Newport Harbor Art Museum in Orange County Pläne an, ein erweitertes und verlegtes Gebäude eines großen Architekten zu errichten, das den Platz des Museums in einer wachsenden, aufstrebenden Region Südkaliforniens verdient. Die Institution stand auf dem Höhepunkt eines Jahrzehnts mit oft energischen und manchmal überraschenden Ausstellungen moderner und zeitgenössischer Kunst, von denen sie auch Arbeiten erwarb, um ihre ständige Sammlung zu erweitern. Alles war in einem bescheidenen, kostengünstig gebauten Gebäude produziert worden, das hinter einem gehobenen Einkaufszentrum versteckt war.

Diese Woche wird die größere Vision endlich Wirklichkeit. Das neue Zuhause – ein 53.000 Quadratmeter großes Gebäude im Wert von 93 Millionen US-Dollar, das von Morphosis unter der Leitung des Pritzker-Preis-Architekten Thom Mayne und seines Partners Brandon Welling entworfen wurde – wird am Samstag im Segerstrom Center for the Arts in Costa Mesa eröffnet. Die Kunst bietet einige herausragende Momente, und mit einer Ausnahme sollte das Gebäude dafür in Ordnung sein. Mehr dazu gleich.

Ein Rendering eines großen Gebäudes.

Das von Morphosis Architects entworfene 53.000 Quadratfuß große Orange County Museum of Art wird am 8. Oktober eröffnet.

(Mike Kelly)

Selbst in dem für Melasse typischen langsamen Bau eines neuen Kunstmuseums sind 35 Jahre eine ziemlich langwierige Wartezeit. (Das seit langem angestrebte Ziel war es, den neuen Ort in einem früheren Jahrhundert zu eröffnen – 1992.) In der Zwischenzeit änderten sich der geplante Standort, der Architekt und das Personal (viele Male; die derzeitige Direktorin Heidi Zuckerman kam Anfang letzten Jahres an). Auch der Name änderte sich: Der Verzicht auf Newport Harbor zugunsten des Orange County Museum of Art sprach von dem Wunsch, die Institution ins Zentrum eines regionalen Bewusstseins zu stellen.

Ob es dazu kommt, bleibt abzuwarten. Es wird nicht einfach. Das Segerstrom Plaza liegt direkt am San Diego Freeway im Herzen einer seelenlosen Ansammlung von autofreundlichen Glasbürogebäuden, Stuckapartmentblöcken, Hotels und einem weiteren Einkaufszentrum. (Es handelt sich um einen Block von „California Scenario“, der aufwändigen Außenumgebung von 1982 des geschätzten Bildhauers Isamu Noguchi.) Morphosis hat das Gebäude sicherlich mit Blick auf den wenig inspirierenden Ort entworfen.

Von der Straße aus hält sich das Museum relativ unauffällig – horizontal und schmucklos fügt es sich in die Umgebung ein. Am Kreisverkehr jedoch, wo die Avenue of the Arts auf die Sunflower Avenue trifft, der Ort, an dem wahrscheinlich viele Besucher ankommen werden, steigt sie an, tritt zurück, windet sich im Raum und betont die Fließfähigkeit durch geschwungene Trajektorien von gekachelten Wänden. Hier identifiziert sich die Struktur als etwas, das sich deutlich von allem um sie herum unterscheidet – all die Kennzeichen eines Morphosis-Gebäudes, die den industriellen Bau in ein digital verzerrtes visuelles Territorium drängen.

Die Formen des Gebäudes spielen mit „Connector“, einer hoch aufragenden, 65 Fuß hohen Richard Serra-Skulptur aus verdrehten Stahlplatten, die 2006 für den Segerstrom-Standort in Auftrag gegeben wurde. Das Museum lehnt sich dort zurück, wo die Skulptur hoch steht, und faltet eine Wand, die sich nach Süden neigt, wo ein Stahl steht Platte biegt nach Norden. Es umschließt beiläufig eine luftige offene Terrasse, die auf einer oberen Ebene zu sehen ist, während die angrenzende Skulptur den Raum in einer engen Umarmung komprimiert, wobei der Himmel durch eine schmale Öffnung oben zu sehen ist. „Connector“ ist zu einem Ausrufezeichen geworden, das den Eingang des Kunstmuseums markiert.

Eine Skulptur einer liegenden männlichen Figur.

Sanford Biggers, „Of many waters…“, 2022, Mischtechnik.

(Kunstmuseum von Orange County)

Oben auf dieser Museumsterrasse, die oben auf geschwungenen Stufen platziert ist, die Sitzgelegenheiten im Amphitheater bilden, scheint eine intelligente und geistreiche Skulptur, die Sanford Biggers in Auftrag gegeben hat, „Of many waters …“, über den Rand zu blicken. Eine Kaskade von visuellen Referenzen der hohen Kunst stürzt hervor: Eine liegende männliche Figur – ein antiker klassischer Akt – erinnert an etwas vom Parthenon-Fries, plus eine Verschmelzung von bekleideten und nackten Figuren aus Manets wegweisendem modernem Gemälde „Luncheon on the Grass“, dem exquisiten Marcantonio Raimondi-Stich einer Raffael-Renaissance-Zeichnung von Flussgöttern, die Manet transformierte, und mehr. Biggers schafft seine eigene Verwandlung, indem er eine doppelseitige Baule-Maske auf dem Kopf seines anonymen Helden anbringt und Afrika zum europäischen Mix hinzufügt.

Eine Baule-Maske fungiert als künstlerisches Double für ihren Träger, und Biggers treibt die Metapher voran. Seine raffinierte Skulptur, 24 Fuß breit und 16 Fuß hoch, in Schwarzweiß gerendert wie dieser Raimondi-Stich, ist tatsächlich zweidimensional. „Of many waters …“, das bis zum 5. Februar zu sehen sein wird, ist ein flaches Bühnenbild, das aus einer bemalten Tafel besteht, die von hinten sichtbaren Streben gehalten wird. Dort trägt es ein auffälliges Op-Art-Muster.

Das vielleicht ermutigendste Zeichen der drei Eröffnungsausstellungen des OCMA ist, dass sie gebaut wurden, um die 60-jährige Geschichte des Museums zu feiern. 1962 wurde eine Ausstellungshalle — a Kunsthalle – wurde von 13 einheimischen Frauen im Balboa Pavilion an der Uferpromenade von Newport im Rahmen eines Immobiliengeschäfts ins Leben gerufen. (Willkommen in Südkalifornien.) OCMA dokumentiert die Entstehungsgeschichte mit „13 Women“, einer ein Jahr lang wechselnden permanenten Sammlungsausstellung von Kunst, die von Frauen geschaffen wurde und von Zuckerman organisiert wird.

Darunter ist Mary Heilmanns wunderbare Abstraktion „Surfing on Acid“ (2005), neun Schichten horizontaler Wellen, die in psychedelischen Farben gemalt sind. Abstrakte Malerei – die hohe Kunstsprache der Macht des Establishments – gibt nüchterne Strenge für gekonntes, überschwängliches Spiel auf.

Eines von zwei strengen Werken von Vija Celmins ist eine exquisit detaillierte Zeichnung von 1969, „Moon Surface, Luna 9 #2“. Die Abgeschiedenheit der steinigen Mondoberfläche steht im visuellen Kontrapunkt zur weichen, taktilen Berührung des auf Papier gepressten Bleistifts.

In der Nähe dreht Celmins das Drehbuch um. Eine täuschend echt bemalte Skulptur eines übergroßen Radiergummis von Eberhard Pink Pearl erinnert an ein Werkzeug, das ein notwendiger Kontrapunkt zur Anfertigung einer Bleistiftzeichnung ist.

Das Museum organisierte die ersten Retrospektiven für Heilmann und Celmins, beides wichtige Künstler, deren größere Wirkung diese Ausstellungen unterstützten. Punkt genommen.

Eine Schaufensterpuppe neben einer großen Maschine.

Charles Rays Schaufensterpuppe „Self-Portrait“ wird mit einer monumentalen „abstrakten Maschine“ von Alice Aycock gezeigt

(Christopher Knight/Los Angeles Times)

Andere beeindruckende Werke aus der Sammlung des Museums fügen sich in die Mischung ein, darunter zwei von Charles Ray – ein Selbstporträt von 1990 in Gestalt einer Kaufhauspuppe und „Ink Box“, ein offener Würfel aus schwarzem Stahl von 1986, der mit 200 Gallonen gefüllt ist von Druckertinte. Der zitternde Meniskus an der Oberseite der Box ist das subtile Zeichen dafür, dass etwas an diesem scheinbar soliden, 3 Fuß großen schwarzen Würfel nicht ganz stimmt.

Rays zwei Skulpturen werden einer wunderbaren Arbeit von Alice Aycock gegenübergestellt – einer großen Konstruktion aus dem Jahr 1980, die auf einem industriellen Textilwebstuhl basiert und noch nie zuvor gezeigt wurde. Aycocks seltsam höllische Maschine stellt historische Assoziationen zwischen Weben und filigraner Frauenarbeit auf den Kopf und fügt monumentale Skulpturen in den postindustriellen Dialog ein.

Ebenfalls zu sehen ist die California Biennial, die erstmals 1984 als landesweite Bestandsaufnahme neuerer Kunst durchgeführt wurde. Es kehrt als „Pacific Gold“ mit mehr als 60 Werken von 19 Künstlern zurück, die von den Gastkuratoren Elizabeth Armstrong, Essence Harden und Gilbert Vicario ausgewählt wurden. Ohne ein Thema macht es stattdessen Vielfalt zu seinem Markenzeichen, einschließlich der Materialien (Malerei, Skulptur, Video, Ton usw.) und in Anerkennung von Künstlern, die weit entfernt – von Afrika bis Australien – geboren wurden und sich dafür entschieden haben, in Kalifornien zu arbeiten.

Angesichts der sozialen und politischen Volatilität des gegenwärtigen Moments wirkt die Show zunächst seltsam ruhig. Mehr als zwei Jahre pandemischer Isolation haben möglicherweise zu einem größeren Gefühl gedämpfter Konzentration beigetragen, das die Ausstellung durchdringt, selbst wenn es um intensive Themen ging.

Einige Künstler sind bekannt, wie der Maler Raúl Guerrero aus San Diego, 77, der seit Jahrzehnten bedeutende Werke schafft. Guerreros raffiniertes Gemälde zeigt einen spanischen Eroberer, der an einer tropischen Küste auf Grund läuft. Die unbeholfene Ankunft wird von einer Reihe von Medaillons mit Porträts von indigenen Häuptlingen sowie von einer Reihe geschnitzter Kokosnüsse mit Käferaugen schief betrachtet. Absurdität trägt zur Tragödie bei.

Ein Wandteppich und andere Kunstwerke an weißen Wänden.

Ein Wandteppich von Svetlana Shigroff, links, und Gemälde von Sharon Ellis.

(Kunstmuseum von Orange County)

Andere Künstler sind neu für mich, darunter die in Australien geborene Svetlana Shigroff, die bei Joshua Tree arbeitet. Ihr großer, farbenfroher und wildschöner Wandteppich eines Teufels, der unter einer kreischenden Wüstensonne einen Schädel küsst, ist teils Wetterbericht, teils Dokument extremer gemeinschaftlicher Unruhen.

Sharon Ellis, deren erlesene Arbeiten auf Papier sich derzeit in der Kohn Gallery in Los Angeles befinden, zeigt sieben visionäre Landschaftsbilder. Das zerklüftete Gelände und der weite Himmel der hohen Wüste – sie arbeitet auch in Joshua Tree – bieten ein heiliges Schauspiel von fast halluzinatorischer Schönheit.

Alicia Piller errichtete ein Denkmal für die Aktivistin Helen Jones-Phillips, deren Sohn John Horton vor mehr als einem Jahrzehnt in einer Gefängniszelle in Einzelhaft starb. (Jones-Phillips behauptet, dass er von Abgeordneten zu Tode geprügelt wurde, während Beamte behaupten, es sei Selbstmord gewesen.) Das Denkmal ist ein Karussell aus physisch zerfetzten Bildern.

James Gobel malt zerbrechliche, filigrane Gemälde ganz ohne Farbe. Stattdessen verwendet er eine exzentrische Technik aus geschichtetem und festgestecktem Schnittpapier, die eher der Arbeit mit Kleidermustern ähnelt – eine Absage an ein traditionell männliches Ethos des malerischen Individualismus.

Ein von Narsiso Martinez an die Wand gemalter Silhouetten-„Baum des Lebens“ ist mit drei Dutzend Supermarkt-Kisten aus Plastik für Obst und Gemüse geschmückt. Der Baum, ein Archetyp der heiligen Schöpfung, verschmilzt mit dem kommerziellen Vermögen, das an Wanderarbeiter gebunden ist.

Eine Illustration eines Baums an einer Wand mit daran befestigten Fotos.

Narsiso Martinez, „Baum des Lebens“, 2022, Mischtechnik.

(Christopher Knight/Los Angeles Times)

Eine Beschwerde: Es wäre schön, wenn OCMA einige Sitzplätze innerhalb der „13 Women“- und Biennale-Ausstellungen zur Verfügung stellen würde, die den Löwenanteil der 25.000 Quadratfuß großen Galeriefläche einnehmen. An dem Vorpremierentag, den ich besuchte, war in keiner der Shows ein Stuhl oder eine Bank zu finden, auch nicht vor Candice Lins bezaubernd seltsamer, fast 20-minütiger projizierter Videoanimation einer dämonischen Katze, die Überlebensbewegungen in einer trostlosen Landschaft anführt. Das Fehlen von Sitzgelegenheiten lädt dazu ein, durch die Galerien zu schlendern und an der Kunst vorbeizugleiten, wie auf einer Galerientour oder auf einer Kunstmesse, anstatt zum Grübeln stehen zu bleiben.

Ein zweites Installationsproblem unterbricht „Fred Eversley: Reflecting Back (the World)“, eine von Chefkuratorin Courtenay Finn organisierte Ausstellung. Gegossene Plastikobjekte in einer Vielzahl von Farbtönen von Eversley, einem Ingenieur und Bildhauer aus Los Angeles, der 1976 im Alter von 35 Jahren seine erste Einzelausstellung im Museum hatte, sind meist kreisförmige Parabollinsen, flach auf einer Seite und gekrümmt wie eine Schüssel auf dem anderen. Überwiegend transparent, sammeln die Skulpturen Licht und fokussieren Brechungen in ihrem farbenfrohen optischen Raum. Eher technisch geschickt als visuell oder konzeptionell ansprechend, werden diese Beispiele des Licht- und Raumgenres jeweils einzeln auf einem Gewirr von etwa zwei Dutzend Sockeln gezeigt, wie eine teure Ausstellung dekorativer Accessoires.

Vielleicht hätten die Kuratoren des Museums mehr Zeit darauf verwenden können, die unvermeidlichen Exzentrizitäten eines brandneuen Gebäudes zu lernen – das beunruhigenderweise noch nicht ganz fertig ist. Die Eile, es fertigzustellen, zeigt sich am enttäuschendsten in einem aufwändigen, geometrisch verdrehten, dreistöckigen Atrium, das von Fußgängerbrücken durchzogen ist. Eine virtuelle Morphosis-Signatur, die Oberflächenbeschaffenheit ist erschreckend schäbig, mit Schaumkernplatten, die sich kräuseln, nicht passen, nicht zusammenpassen oder falsch geschnitten sind. Ein gesprungenes Fenster ist nervig.

Plastikskulpturen in einer weißen Galerie.

Eine Installationsansicht von gegossenen Plastikskulpturen von Fred Eversley, die Licht sammeln und Brechungen fokussieren

(Kunstmuseum von Orange County)

Die schlampigen Oberflächen sind sicherlich vorübergehend, von der Jury manipuliert, als die geplante Museumseröffnung eintraf. Eine Menge Reparaturen werden erforderlich sein, um das, was eine architektonische Tour de Force sein sollte, zum Singen zu bringen. Ich nehme an, was sind nach 35 Jahren Wartezeit noch ein paar Wochen oder Monate?

Das Kunstmuseum von Orange County

Wo: Orange County Kunstmuseum, 3333 Avenue of the Arts, Costa Mesa
Wann: 10–18 Uhr Dienstag–Mittwoch, Sonntag, 10–20 Uhr Donnerstag–Samstag. Öffnet Samstag.
Die Info: (714) 780-2130; ocma.art

https://www.latimes.com/entertainment-arts/story/2022-10-05/ocma-opens-morphosis-orange-county-museum-art Review: OCMA opens: The good, the confounding and lack of seating

Sarah Ridley

USTimesPost.com is an automatic aggregator of the all world’s media. In each content, the hyperlink to the primary source is specified. All trademarks belong to their rightful owners, all materials to their authors. If you are the owner of the content and do not want us to publish your materials, please contact us by email – admin@ustimespost.com. The content will be deleted within 24 hours.

Related Articles

Back to top button