Review: What LACMA’s Spanish American art says about our world

Ein bemalter vierteiliger Paravent, der 6 Fuß hoch und 10 Fuß breit ist, ist ein Prüfstein für „Archive of the World: Art and Imagination in Spanish America, 1500-1800“, eine wunderschöne neue Installation von Werken der Dauerausstellung in Los Angeles Kreismuseum für Kunst. Es gibt 90 Objekte, darunter Gemälde, Skulpturen und dekorative Kunst, hauptsächlich aus Mexiko, aber auch aus Guatemala, Ecuador, Kolumbien, Bolivien, Peru und Brasilien. Der bemalte Paravent, der in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts in Mexiko hergestellt wurde, ist ein tiefgründiges internationales Dokument – ​​ein exquisites „Archiv der Welt“, das alles durch sein großartig raffiniertes Selbst hervorhebt.

Erstens spiegelt das Werk als Gemälde in Öl auf Leinwand ein Erbe der europäischen künstlerischen Tradition wider, das dem vorspanischen Mexiko unbekannt war. Es zeigt eine Hochzeitsfeier, wahrscheinlich in oder in der Nähe von Mexiko-Stadt, aber die mysteriöse, aber üppige blau-weiße Landschaftskulisse ist eine Art flämisch anmutendes Bühnenbild für die Ereignisse, die sich in der detaillierten Handlung draußen entfalten. Vielleicht wurde es in Mexiko für den Export zurück nach Spanien oder in die spanischen Niederlande hergestellt, wo es den lokalen Geschmack umwerben musste.

Zweitens als freistehender Paravent (genannt a biombo), wie man sie vielleicht in einem wohlhabenden Haus in China oder Japan findet, aber sicherlich nicht auf der Iberischen Halbinsel oder in Italien oder Frankreich. Malerei hat diese Form in Europa nie angenommen. Die Arbeit repräsentiert die Ankunft und Blüte des asiatischen Kulturerbes in Neuspanien entlang der Handelsrouten von Manila, Philippinen, nach Acapulco an der Pazifikküste. Wenn der Bildschirm für den Export bestimmt wäre, würde ein europäischer Kunde etwas köstlich Einzigartiges bekommen.

Als elegante, eloquente und brillant komponierte Darstellung von Feierlichkeiten rund um eine katholische Hochzeit zwischen einem indigenen Ehemann und einer indigenen Ehefrau in Neuspanien verkörpert die Bildsprache schließlich die komplexe Schnittmenge der Kulturen in den Jahrhunderten nach der spanischen Eroberung des Aztekenreiches. Das Gemälde erinnert an ein christliches Sakrament, aber es ist umrahmt von einheimischen Tänzern und einem indigenen Sport, bei dem Männer, die an Seilen an ihren Knöcheln oder Hüften aufgehängt sind, um einen hohen Holzpfosten wirbeln – eine Art extremer Maibaum.

Mexiko, Spanien, Flandern, China, Japan, die Philippinen – Multikulturalismus gibt es seit Hunderten von Jahren in der Kunst des spanischen Amerikas, angesichts des weitläufigen globalen Imperiums, das von den katholischen Monarchen Ferdinand und Isabella und ihren habsburgischen und bourbonischen Nachfolgern geschaffen wurde. Wir denken gerne, dass Multikulturalismus neu ist, aber das ist es nicht. Der Künstler, dessen Identität unbekannt ist, hat sie in seinem bemalten Paravent nahtlos miteinander verwoben. (Und es ist mit ziemlicher Sicherheit „seine“, da Frauen damals davon abgehalten wurden, im Studio zu arbeiten.)

Jedes der vier Panels ist eine separate Aktivitätszone. Von rechts nach links sehen wir die Hochzeitsgesellschaft, dann die Tänzer, weiter zur fliegenden Stange und schließlich die versammelten Gäste. Zusammen bilden sie eine kontinuierliche Szene wunderbarer, sorgfältig beobachteter Festlichkeiten. Da der Bildschirm aufrecht auf dem Boden steht, tragen das wechselnde Licht und die physische Zickzackbewegung seiner vier Paneele zu dem lebhaften Sinn für animierte Handlung der Darstellung bei.

Eine Skulptur steht zwischen zwei Gemälden.

Installationsansicht von spanisch-amerikanischen Gemälden und Skulpturen im „Archive of the World“ im LACMA.

(© Museum Associates / LACMA)

Die aktuelle Installation ist das erste Mal, dass der Bildschirm korrekt gezeigt wurde, aufrecht stehend, so wie er erlebt werden sollte. Im Jahr 2005 von einem portugiesischen Königspalast 40 Meilen nördlich von Rio de Janeiro erworben, wurde es im LACMA immer flach an der Wand hängend gezeigt, wie ein Gemälde. (Es wurde auch im Palast auf diese Weise aufgehängt: Ein Foto ist in dem unverzichtbaren Katalog enthalten, der als wesentlicher und höchst willkommener Leitfaden für die wichtige ständige Sammlung des Museums mit Kunst aus den Vizekönigtümern von Mexiko und Peru fungiert.) Aktuelle Konservierungsarbeiten ermöglichte die Neuorientierung, und der Unterschied ist entscheidend.

Mehr als die Hälfte der Werke im „Archiv der Welt“ – 46 – sind Gemälde, und die Qualität ist einheitlich hoch. Natürlich gibt es Raum für Wachstum. Talavera Poblana-Keramik mit ihrer wunderschönen Verschmelzung chinesischer, maurischer und indigener Einflüsse ist nicht vertreten, und ein kunstvolles Altarbild wäre eine gute Ergänzung, wenn es schwer zu finden ist. (Eine Wand in der Ausstellung zeigt eine Gruppe kleinerer religiöser Gemälde, die vielleicht an ein Altarbild mit mehreren Tafeln erinnern sollen.) Nur wenige amerikanische Museen haben bedeutende Sammlungen dessen, was früher als spanische Kolonialkunst bezeichnet wurde, aber von denen, die es tun, ist das LACMA herausragend.

Dass es in nur 16 Jahren unter der sorgfältigen Leitung der Kuratorin Ilona Katzew aufgebaut wurde, ist bemerkenswert. (Die ersten beiden Erwerbungen der Sammlung – der außergewöhnliche Paravent sowie ein exquisit raffiniertes Abzeichen aus bemaltem Kupfer, ein Krippenbild, das als Teil der Tracht einer Nonne getragen wurde, von dem großen religiösen Maler des 18. Jahrhunderts, José de Páez – wurden 2005 erworben.) verantwortungsvoller Austritt machte es möglich.

Bestickte Gewänder in einem Museum ausgestellt.

Bestickte Gewänder, die der mexikanischen Werkstatt von Manuel José de Mena Cárdenas aus dem 18. Jahrhundert zugeschrieben werden, sind zu sehen.

(© Museum Associates / LACMA)

LACMA hat, wie viele Museen, fast keine Anschaffungsstiftungen, mit denen man Kunst kaufen kann. Was es jedoch hatte, war eine uneingeschränkte Schenkung von 1997 von etwa 2.000 Werken, hauptsächlich mexikanischer Moderne, von den Kunsthändlern Bernard und Edith Lewin (seitdem verstorben). Es handelte sich nicht um eine formell kuratierte Sammlung von Gemälden, Skulpturen und Zeichnungen, sondern um einen Ad-hoc-Bestand, der aus den Galerien lateinamerikanischer Kunst der Lewins in Beverly Hills und Palm Springs übrig geblieben war. Die wichtigsten dieser Werke, darunter Gemälde von Diego Rivera, Frida Kahlo, David Alfaro Siqueiros und Rufino Tamayo, wurden vom LACMA aufbewahrt, während andere deakzessiert und verkauft wurden, um einen Erwerbsfonds für lateinamerikanische Kunst aus Gegenwart und Vergangenheit zu schaffen.

Ironischerweise ermöglichte die mexikanische modernistische Kunst den Aufbau einer brillanten Museumssammlung vizeköniglicher Kunst aus dem spanischen Amerika – ironisch, weil Rivera und seine radikal großartigen Kohorten fast ausschließlich Volkskunst und die Kunst der vorspanischen Vergangenheit feierten. Koloniale Kunst? Auf keinen Fall. Sie hatten wenig Verwendung für die kulturelle Produktion der brutalen Kolonisatoren der Region, einschließlich ihrer religiösen Themen. Die studierte und bewunderte Geschichte der Kunst der Region reichte ziemlich genau von vor 1500 bis nach 1800, mit einer eklatanten Lücke von 300 Jahren dazwischen.

Auch westliche Kunsthistoriker neigten dazu, sie zu ignorieren, indem sie Künstler wie Miguel Cabrera (1695-1768) oder Vicente Albán (1725-unbekannt) im Vergleich zu europäischen Malern fälschlicherweise als mangelhaft betrachteten. Sie wurden eher als Nachahmer oder Künstler gecastet, die versuchten und meist scheiterten, mitzuhalten, und nicht als Ausnahmetalente, die eine unverwechselbare Ästhetik entwickelten, die nicht nur spezifisch für ihre multikulturellen Milieus in Amerika war, sondern aufgrund der Unterschiede gedieh.

Die 300-jährige Lücke wurde geschlossen. Die Wertschätzung für die Kunst des spanischen Amerikas hat in den letzten Jahrzehnten zugenommen, nachdem sie 1990 mit „Mexico: Splendors of Thirty Centuries“, der extravaganten Ausstellung des Metropolitan Museum of Art, einen großen Sprung gemacht hatte dessen Organisation von Beiträgen des mexikanischen Dichters und Diplomaten Octavio Paz profitierte, der in diesem Jahr zufällig den Nobelpreis für Literatur erhielt. (Die Ausstellung reiste zum LACMA.) Ich würde behaupten, dass das Interesse später durch die belebenden Spannungen zwischen Multikulturalismus und weißer Vorherrschaft zementiert wurde, die sich durch die Kunst ziehen, die uns heute so dringend anspricht. Es zeigt uns etwas darüber, woher wir kommen.

Eine Skulptur eines Heiligen und eines Teufels.

Unbekannter Bildhauer und Polychromer, „Saint Michael Vanquiishing the Devil“, Guatemala, um 1750-1800.

(© Museum Associates / LACMA)

Nehmen Sie die beiden jüngsten Erwerbungen, die beide letztes Jahr in die Sammlung aufgenommen wurden. Eines ist eine außerordentlich raffinierte polychrome Skulptur des „Heiligen Michael, der den Teufel besiegt“ aus Guatemala aus dem späten 18. Jahrhundert, der triumphierende Heilige, der auf dem Rücken des Tieres steht und sein silbernes Kreuz als Speer auf dem Kopf des Teufels hält. Das andere ist ein Gemälde der Cuzco-Schule aus dem späten 17. Jahrhundert aus Peru, das den habsburgischen König Karl II. mit gezogenem Schwert und von zwei Erzengeln (einschließlich Michael) unterstützt zeigt, wie er eine Eucharistie, die in einer spektakulären juwelenbesetzten Monstranz ausgestellt ist, vor Angriffen verteidigt.

Nicht zufällig ist der glorreiche St. Michael der Skulptur ein rosiger, weißer als weißer Europäer, während der unterjochte Teufel dunkle, dunkle, schnurrbärtige Züge eines grimassierenden Indianers trägt. Was die erhabene Eucharistie des Gemäldes betrifft, so droht sie von zwei dunklen, bedrohlichen osmanischen Türken und einem protestantischen Ketzer von ihrer erhöhten Position auf einer griechisch-römischen Säule gestürzt zu werden, während ein idealisierter, praktisch porzellanhäutiger König Charles übernatürlich gelassen dasteht. Im Wesentlichen die gleichen rassisch und spirituell codierten Botschaften werden von Werken gesendet, die ein Jahrhundert voneinander entfernt in den beiden Vizekönigtümern Spaniens, im Norden und im Süden, hergestellt wurden.

Vergoldet und wunderschön gearbeitet, betonen beide die luxuriöse zweidimensionale Oberflächendekoration. Die Stile könnten nicht unterschiedlicher sein als die komplexe räumliche Ausarbeitung, die in der europäischen Barockskulptur und -malerei zu sehen ist, mit ihrer Betonung auf volumetrischen Figuren, die in einer spiralförmigen Unendlichkeit des Weltraums eingesetzt werden. In diesen Jahrhunderten segelte Europa eifrig in die Welt hinaus, um zu kolonisieren, was es konnte, eine räumliche Reise, die sich in seiner dreidimensionalen, extravaganten Kunst widerspiegelte. Für Künstler, die in den kolonisierten Amerikas arbeiteten, war das nicht nötig; Sie waren nirgendwo unterwegs.

Stattdessen stützten sie sich auf indigene visuelle Traditionen aus Textilien, Metallarbeiten, Töpferdekoration und anderen verfügbaren Quellen. Kurz gesagt, der europäische Barock hängt von der Ausarbeitung des Raums ab, während der spanisch-amerikanische Barock die Ausarbeitung der Oberfläche erfordert. Im LACMA ziehen eine atemberaubende silberne Monstranz, prächtige Stickereien auf Kirchengewändern, mit Knochen und Schildpatt eingelegte Schachteln und geschnitzte Holztabletts, die mit einer dichten Fülle von Blumenmustern bemalt sind, den Vergleich.

Zwei Bilder der "Jungfrau von Guadalupe" nebeneinander abgebildet.

Zwei Versionen der „Jungfrau von Guadalupe“ von 1691 und um 1720 hängen nebeneinander im „Archive of the World“.

(Christopher Knight / Los Angeles Times)

Heutzutage erscheint die Kunst in „Archive of the World“ relevanter als je zuvor für das zeitgenössische Leben. Vielleicht ist der beste Ort, um das zu sehen, die „Jungfrau von Guadalupe“, das wohl berühmteste Bild der Kolonialzeit.

Das ikonische Gemälde einer jungen Frau mit gesenktem Kopf, gekleidet in ein glitzerndes Gewand und auf einer Mondsichel stehend, ist in zwei nebeneinander aufgehängten Versionen dargestellt. Eines, das wahrscheinlich vom Vater-Sohn-Gespann von Antonio und Manuel de Arellano gemalt wurde, ist eine akribische Kopie des Originals von 1691, das immer noch in der Basilika von Guadalupe in Mexiko-Stadt verehrt wird. Das andere, ein Vierteljahrhundert später, stammt von Antonio de Torres, einem Mitglied einer großen Malerfamilie. (Torres’ dramatisches und monumentales Gemälde „Die Erhöhung des Kreuzes“ ist ebenfalls in der Nähe zu sehen.) Ein Bild ist etwas größer als das andere, und Vignetten in den Rondellen, die die zentrale Figur der Jungfrau umgeben, sind unterschiedlich. Aber die Jungfrau selbst ist praktisch identisch, bis hin zum leicht gebogenen kleinen Finger ihrer betenden linken Hand.

Das liegt wahrscheinlich daran, dass ein dritter kluger Künstler, der große afro-mexikanische Maler Juan Correa, Sohn eines spanischen Chirurgen und einer befreiten schwarzen Frau, eine Wachspapierschablone des Originals anfertigte, damit andere genaue Kopien des wunderbaren Bildes reproduzieren konnten. Die Nachfrage nach ihnen war groß. Wenn man heute die Jungfrau von Guadalupe doppelt an der Wand der Galerie sieht, ist das so, als würde man gepaarte Versionen von Andy Warhols berühmter „Marilyn Monroe“ sehen, die beide vom selben Siebdruck reproduziert wurden. Damals wie heute ist die Nachfrage ein formaler Treiber künstlerischer Erfindungen.

“Archiv der Welt: Kunst und Vorstellungskraft im spanischen Amerika, 1500-1800”

Wo: Los Angeles County Kunstmuseum, 5905 Wilshire Blvd.
Wann: 11 bis 18 Uhr Mo, Di, Do; 11 bis 20 Uhr Fr.; 10 bis 19 Uhr Sa. und Sonne. Mi geschlossen. Bis 30. Oktober.
Kontakt: (323) 857-6000, lacma.org

https://www.latimes.com/entertainment-arts/story/2022-06-20/archive-of-the-world-show-exhibition-review Review: What LACMA’s Spanish American art says about our world

Sarah Ridley

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