The Hammer Museum Joan Didion exhibit is poetic but limited

Ich muss gestehen, dass ich Anfang letzter Woche in einem als Recherche getarnten Akt der Terminvermeidung Stunden damit verbracht habe, bei der von Stair Galleries in New York organisierten Auktion von Joan Didions Nachlass zu lauern und zu versuchen, den Erwerb eines mit der Autorin verbundenen Objekts zu rationalisieren.

Vielleicht ein mit kalifornischen Motiven bedruckter Porzellanteller? 1.300 $, während ich dies schreibe. Oder vielleicht ein verlockendes 4-mal-4-Zoll-Gemälde eines Einhorns, das aus einer rosa Muschel auftaucht, dessen Gebote im Laufe des Tages von 400 auf 1.000 Dollar stiegen? Oder wie wäre es mit einem Haufen echter Muscheln? $1.000, zuletzt habe ich nachgesehen. Hatte Didion, eine Schriftstellerin, deren Worte häufig etablierte Erzählungen untersuchten und destabilisierten, einen Korb mit Muscheln in ihrem Badezimmer aufbewahrt? Diese Idee hat etwas bezaubernd Banales – die Art von Details, die in einem Essay von Joan Didion über Mord und die Winde von Santa Ana auftauchen könnten.

Ein kleines Ölgemälde in einem vergoldeten Rahmen zeigt ein Einhorn, das aus einer rosa Muschel vor einem hellblauen Hintergrund auftaucht.

Unter den Objekten, die in einer Auktion von Joan Didions persönlichen Gegenständen angeboten werden, befindet sich ein kleines Gemälde eines Einhorns.

(Treppengalerien)

Ich werde wahrscheinlich nicht auf Didion-Relikte und den magischen Staub, den sie transportieren, stoßen. Aber zum Glück für diejenigen mit nicht verfügbarem Einkommen ermöglicht eine Ausstellung im Hammer Museum eine ehrfürchtige Nähe zu dem Schriftsteller, der letztes Jahr im Alter von 87 Jahren starb und dessen Werk eine einzigartige Überschneidung zwischen der Welt des Journalismus, Hollywoods und der literarischen Hochkultur markiert. Stirn, sowie die West- und Ostküste. (Didion wurde in Sacramento geboren und lebte zeitweise in New York und Los Angeles, bevor er sich Ende der 1980er Jahre dauerhaft in Manhattan niederließ.)

„Joan Didion: What She Means“, organisiert von der New Yorker Kritikerin Hilton Als in Zusammenarbeit mit der Hammer-Chefkuratorin Connie Butler und dem kuratorischen Assistenten Ikechukwu Onyewuenyi, ist nicht die Art von Ausstellung, die man von einer Autorin erwarten würde. Sie besteht nicht aus Vitrinen voller Manuskripte. Es gibt auch keine alten Aschenbecher oder eine geliebte Schreibmaschine. Erstausgaben ihrer Bücher werden nicht wie Fragmente des Wahren Kreuzes auf Sockeln ausgestellt. Stattdessen nimmt die Ausstellung Didion als Ausgangspunkt und interpretiert ihr schriftstellerisches Leben hauptsächlich durch Kunst.

„Ich möchte nicht, dass Sie dies als endgültiges Porträt von Joan betrachten“, sagt Als im digitalen Leitfaden zur Show. „Ich lehne mich an die Collage-Effekte ihrer Arbeit an, insbesondere an ihr Spätwerk, wo sie viele verschiedene Arten von Informationen zusammenzog, um einen Essay oder ein Porträt eines Ortes oder einer Person zu erstellen.“

Eines der Eröffnungsbilder der Ausstellung ist zum Beispiel eine Landschaft des kalifornischen Malers Elmer Wachtel aus der Jahrhundertwende des 20. Jahrhunderts, die den in Wolken gehüllten Berg San Gorgonio darstellt. Es erinnert an die Überlandreise, die Didions Vorfahren in den 1840er Jahren quer durch die USA unternahmen, eine Episode, die in ihrer 2003 erschienenen Sammlung „Where I Was From“ aufgezeichnet wurde. Ihre Familie war bekanntermaßen Teil einer Fraktion, die sich von der Donner-Reed-Partei in Nevada abspaltete und dadurch eine Katastrophe in den Sierras vermied.

Ein Standbild eines 16-mm-Films zeigt die Sonne, die in feurigem Purpur hinter einigen Wolken untergeht

Andy Warhols „Reel 77 of **** (Four Stars) („Sunset“)“ aus dem Jahr 1967 fängt einen Sonnenuntergang in Los Angeles ein und erinnert an die Zeit, die Joan Didion in Malibu verbrachte.

(Das Andy-Warhol-Museum)

Die Ausstellung ist nicht ohne persönliche Artefakte. Inmitten von Kunstwerken von Cady Noland, Jack Pierson und Ed Ruscha zeigen einige Vitrinen Familienfotos, alte Jahrbücher und Archivkopien der Drehbücher, die Didion mit ihrem Ehemann John Gregory Dunne für Bilder der 70er-Jahre wie „The Panic in Needle“ geschrieben hat Park“ und „Ein Star ist geboren“.

Außerdem sind eine Handvoll Gegenstände ausgestellt, die mit ihrer Familie in Verbindung stehen – darunter ein Schild für die Immobilienvermittlung ihres Vaters, ein Schoßtisch und ein hölzerner Kartoffelstampfer, der die Überlandfahrt in den Händen ihrer Vorfahren überlebte. Der Stampfer fungiert als totes literarisches Mittel in „Where I Was From“ – ein Totem der heiligen Erzählung, die die europäische Besiedlung des Westens ist, eine Erzählung, die Didion in ihrer Arbeit auseinander nahm. (All diese Eigenständigkeit, wie sich herausstellte, wurde von der US-Bundesregierung großzügig subventioniert.)

Funktionierte der Stampfer früher als Symbol, macht ihn die Ausstellung des Museums nun zu einem Didion-Relikt. Nachdem ich in der Vergangenheit darüber geschrieben hatte, war ich fasziniert, seine bescheidenen Proportionen zu sehen. Die Kraft eines Relikts liegt nicht in seiner Ästhetik, sondern in seiner Erzählung – und dieses unauffällige Haushaltsobjekt enthält die Geschichte von Manifest Destiny, überlagert von Didions scharfsinniger Gegenerzählung.

Eine alte Karte aus dem 19. Jahrhundert zeigt eine Eisenbahnstrecke durch die damalige winzige Siedlung Sacramento

Theodore D. Judah, „Karte der Sacramento Valley Railroad von der Stadt Sacramento bis zur Kreuzung der American Rivera in Negro Bar, Sac. Co.“, 16. Sept. 1854.

(Sammlung seltener Karten der Huntington Library)

Zum größten Teil verwendet „What She Means“ jedoch Kunst, um die weiten Bögen der Karriere der Schriftstellerin zu artikulieren: ihre prägenden Jahre in Nordkalifornien, ihr erster Aufenthalt in New York in den 50er Jahren, als sie ihre Karriere als Journalistin begann bei Vogue und die fruchtbaren zwei Jahrzehnte, die sie ab Mitte der 1960er Jahre in Los Angeles verbrachte, wo sie Werke wie „The White Album“ produzierte.

Von diesen Installationen kommt die wirkungsvollste schon früh an, in einem Raum, der Didions Besessenheit von Wasser und westlichen Archetypen aufgreift – zwei untrennbar miteinander verbundene Themen. (In ihrem Essay „Holy Water“ von 1977 zitiert sie den Historiker Bernard DeVoto: „Der Westen beginnt dort, wo der durchschnittliche jährliche Niederschlag unter 20 Zoll fällt.“)

In einer großen Galerie fängt ein abstraktes Gemälde von Pat Steir die Muster des Regens ein, eine Drahtbodenskulptur von Alan Saret nimmt die Form von Feuer an und ein Paar akribischer Graphitzeichnungen eines Wüstenbodens (von Vija Celmins) verlässt den Betrachter praktisch Staub husten. In der Mitte des Raums gibt eine gewichtige Skulptur von Maren Hassinger die Form eines Flusses aus Seilen und Ketten wieder (eine intelligente Beschwörung der Art und Weise, wie Wasser in Kalifornien konstruiert wird). Die Beobachtung der gesamten Szene ist eine Zeitlupenschleife von John Wayne aus dem Film „Stagecoach“ von 1939, die den Schauspieler als den robusten Individualismus in Person zeigt: Sattel in der einen Hand, Gewehr in der anderen, eine Schweißperle rinnt über sein gemeißeltes Gesicht .

Didion schrieb 1965 in einem Aufsatz über Wayne. Sie zeichnet das Macho-Gepolter am Set von „The Sons of Katie Elder“ in Mexiko-Stadt auf, aber die Geschichte endet beim Abendessen, als der Herzog Pouilly-Fuissé für den Tisch und etwas roten Bordeaux für sich selbst bestellt. Es stellt sich heraus, dass der westliche Mythos von einer Vorliebe für französischen Wein genährt wird.

Weiße Spritzer und Farbtropfen sind auf schwarzer Leinwand zu sehen und erinnern an ein heftiges Gewitter

Pat Steirs „July Waterfall“, 1991, erinnert an Regen und Wasser – ein wichtiges Thema in Didions Werken.

(Whitney Museum of American Art / SCALA / ARS NY)

Andere poetische Momente tauchen auf. Ich war ziemlich angetan von einem Film von Andy Warhol aus dem Jahr 1967 mit dem Titel „Reel 77 of **** (Four Stars)“, der das Spektakel eines Sonnenuntergangs in Los Angeles einfängt, gefolgt von seinem ruhigen Zerfall in Dunkelheit. Der begleitende Soundtrack zeigt Velvet Underground-Sänger Nico, der langsam ein Gedicht flüstert: „Ich / bin / immer am Leben. / Du bist / immer / ein Licht. / Du bist / immer am Leben.“

Im Kontext dieser Show dient das Video als Markierung für Didions Zeit in Malibu – worüber sie in „The White Album“ schrieb. („Ich hatte nicht vor 1971 und werde wahrscheinlich nicht wieder in einem Ort mit einem nach ihm benannten Chevrolet leben.“)

Faszinierend sind auch die Heraufbeschwörungen von Didions häufiger Migräne – die in ihrem Aufsatz „Im Bett“ von 1968 behandelt wurden. Diese werden durch zwei scharfkantige, minimalistische Arbeiten auf Papier von Anne Truitt artikuliert: schwarze geometrische Formen, die ein weißes Feld einnehmen. Ich bekomme regelmäßig Migräne. (Während ich diesen Aufsatz schrieb, bekam ich einen – da das Schreiben über eine Museumsausstellung über einen berühmten Schriftsteller von einem anderen berühmten Schriftsteller eine einfache Fahrkarte in die Stadt der Kopfschmerzen ist.) Ich fand eine bewegende Wahrheit in Truitts Formen, die das Gefühl in meinem widerspiegeln Kopf, während die Kopfschmerzen übernehmen und alle Gedanken und Licht verdunkeln.

Eine minimalistische Arbeit von Anne Truitt zeigt eine unregelmäßig geformte geometrische Form in Schwarz vor einem weißen Hintergrund

Anne Truitts „7 Sept ’87 No. 3“, 1987, eines der Werke, die an Joan Didions Essay „In Bed“ erinnern.

(Nachlass von Anne Truitt und Matthew Marks Gallery / The Bridgeman Art Library)

Leider fühlten sich andere Teile von „What She Means“ nur durcheinander an.

Große Galerieräume schlucken einige der bescheideneren Werke als Ganzes. Eine Galerie, die das „Weiße Album“ der Jahre Bumerangs von Sharon Tate über Migräne bis zu den Black Panthers erforscht. (Was auf Didions Seite funktioniert, funktioniert nicht immer in einer Galerie.) Und der letzte Raum fühlt sich gehetzt an, wie ein Schriftsteller, der versucht, eine Geschichte zu Ende zu bringen.

Es zeigt Didions Rückkehr nach New York in den 80er Jahren und versammelt eine verwirrende Reihe von Arbeiten. Einige sind von intimeren Schriften inspiriert, wie Didions 2005 erschienenes Buch „The Year of Magical Thinking“, eine Meditation über den Tod ihres Mannes. Andere stammen aus ihren politischen Schriften der 80er und 90er Jahre, wie ihre weitläufigen Untersuchungen der Politik in Miami und El Salvador sowie ihre vorausschauende Analyse des Joggerfalls im Central Park in der New York Review of Books.

In Los Angeles, Heimat der größten Bevölkerung von Salvadorianern außerhalb von El Salvador, scheint es ein Versehen zu sein, „Salvador“, ihr fesselndes Buch von 1983, nicht ausführlicher untersucht zu haben. (Als Kind aus LA, das in den 80ern erwachsen wurde, entdeckte ich Didion durch „Salvador“ und nicht durch „The White Album“.) Stattdessen wird „Salvador“ nur von zwei Kunstwerken erwähnt: einem Foto von Susan Meiselas aus dem Jahr 1980 zeigt die Fassade eines Hauses mit einem weißen Handabdruck, einem Zeichen der Todesschwadronen; und ein Stück aus dem Jahr 2012 des in Salvador geborenen Künstlers Ronald Morán, das gespenstische menschliche Figuren in einem von ultraviolettem Licht beleuchteten Labyrinth enthüllt. Sie sind kraftvoll, verlieren aber inmitten eines Durcheinanders anderer Bilder ihre Resonanz.

Das Collagieren eines Schriftstellers, der collagiert hat, mag das kuratorische Ziel gewesen sein, in diesem Fall wäre eine Installation im Salonstil eine bessere visuelle Taktik gewesen – zusammen mit einem strengeren Fokus. Didion behandelte über mehr als ein halbes Jahrhundert eine enzyklopädische Reihe von Themen. Der Westen, ein Thema, auf das die Autorin im Laufe ihrer Karriere immer wieder zurückkam, hätte für eine zusammenhängendere Präsentation gesorgt – und hätte sicherlich in LA, einer Stadt, die ihre Tropen stark trägt, Anklang gefunden.

In einem Druck von Ronald Morán ist eine Reihe von Figuren in ultraviolettem Licht in einem Labyrinth aus einer Schnur zu sehen

Ronald Morán, „En el Laberinto Ultravioleta 1“, 2012.

(Ronald Morán / RoFa-Projekte)

Am merkwürdigsten ist jedoch, dass diese Show ihr Thema beim Wort zu nehmen scheint. Didions Ideen werden weitgehend untersucht, während sie sie formuliert. Welche Erzählungen über die heilige Johanna müssten für einen Autor, der Erzählungen entwirren wollte, entwirrt werden? Welche Widersprüche und Auslassungen treten auf?

In „Slouching Towards Bethlehem“ schrieb Didion: „Mein einziger Vorteil als Reporter ist, dass ich körperlich so klein, temperamentvoll unauffällig und neurotisch so unartikuliert bin, dass die Leute dazu neigen, zu vergessen, dass meine Anwesenheit ihren besten Interessen zuwiderläuft.“ Das ist dieselbe Didion, die das Schreiben einst mit der Schauspielerei verglich, weil „es Leistung ist“. Derselbe Didion, der beim Rauchen von Zigaretten fotografiert wurde, während er selbstbewusst auf einer Corvette Stingray saß – und der später im Leben mit einer Céline-Sonnenbrille für eine Werbekampagne posierte.

Die von Juergen Teller aufgenommenen Céline-Bilder sind in der Ausstellung zu sehen. Ihre Sonnenbrille gehört zu den Objekten, die in New York versteigert werden. Sie kosten derzeit 3.250 US-Dollar.

Joan Didion: Was sie meint

Wo: Hammermuseum, 10899 Wilshire Blvd., Los Angeles
Wann: Bis 19. Februar
Eintritt: Frei
Die Info: hammer.ucla.edu

https://www.latimes.com/entertainment-arts/story/2022-11-08/joan-didion-remains-elusive-in-a-museum-show-inspired-by-her-writing-life The Hammer Museum Joan Didion exhibit is poetic but limited

Sarah Ridley

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