The Orange County Museum of Art California Biennial is back

Seit sie vor anderthalb Jahren die Leitung des Orange County Museum of Art übernommen hat, hat Direktorin Heidi Zuckerman wiederholt gesagt, dass ihre Vision für das Museum darin besteht, „zurückzublicken, um nach vorne zu schauen“.

Diese Vision wird am 8. Oktober greifbare Realität, wenn das Museum sein seit langem in Arbeit befindliches neues Gebäude im Segerstrom Center for the Arts in Costa Mesa einweiht. Als Teil seiner ersten Ausstellungsreihe lässt das OCMA seine langjährige Biennale in Kalifornien wieder aufleben, die bis ins Jahr 1984 zurückreicht.

„Die Biennale liegt in der DNA von OCMA“, sagt Zuckerman. „Und wir müssen mit dieser Anerkennung unserer Vergangenheit beginnen, aber auch mit unserem Engagement für die Gegenwart und die Zukunft. Die besten Ausstellungen tun das. Sie lassen Sie wissen, wo Sie sich gerade befinden – als Person, als Schöpfer, als Dolmetscher, als Antwortender, als Mensch.“

Die Biennale – ursprünglich als Newport Biennial bezeichnet, als die Institution noch das Newport Harbor Art Museum war – wurde vom damaligen Ausstellungskurator Paul Schimmel als Möglichkeit konzipiert werfen ein Licht auf neue Arbeiten von Künstlern, die den Geist Kaliforniens verkörpern. Frühe Versionen einen thematischen oder geografischen Schwerpunkt hatten. Die Eröffnungsausstellung ’84 angestrahlt die Kunstszene von Los Angeles; die zweite, 1986, förderte Künstler aus der Bay Area. Die dritte mit dem Titel „Mapping Histories“ wurde 1991 eröffnet und konzentrierte sich auf generationenübergreifende Gespräche zwischen Künstlern. Das vierte wurde breiter, eröffnete 1993 und präsentierte Künstler aus ganz Südkalifornien.

Nach einer kurzlebigen und unglücklichen Fusion mit der Laguna Art Museum im Jahr 1996 änderte das Museum seinen Namen in Orange County Museum of Art und die Biennale von 1997 wurde einfach in „die Biennale“ umbenannt. Im Jahr 2002 nahm es seinen heutigen Namen an, was mit einer geografischen und künstlerischen Erweiterung der Vision einherging – des Jahres alle zwei Jahre ausgestellte Künstler aus dem gesamten Golden State.

In den Jahren 2013 und 2017 wurde die Biennale unter dem damaligen Chefkurator Dan Cameron als California-Pacific Triennial erneut neu erfunden und konzentrierte sich auf die Verbindungen zwischen Kalifornien und der pazifischen Randregion. Seitdem ist es nicht mehr in Betrieb, vor allem, weil das Museum 2018 in einen temporären Raum, OCMA Expand, umgezogen ist, während sein 93 Millionen Dollar teures neues Gebäude konzipiert und gebaut wurde.

Sadie Barnettes „Feelings, Feelings, Feelings, Feelings, Feelings, Feels, Feelings“ (2022) wird Teil der wiederauferstandenen „California Biennial 2022“.

(Eric Rubin)

„California Biennial 2022: Pacific Gold“ zeigt Malerei, Zeichnung, Skulptur, großformatige Installationen, Textilien und Keramik sowie digitale und multimediale Arbeiten. bis 20 aufstrebende, mittelständische und unterbewertete Künstler aus dem ganzen Bundesland. Breiter zu gehen war der Schlüssel, nicht nur aus interdisziplinärer Sicht, sondern auch generationsübergreifend – die Teilnehmer sind zwischen 32 und 32 Jahre alt bis 84. Und die drei Ausstellungskuratoren stammen aus unterschiedlichen Generationen und prägen die Ausstellung mit einem Querschnitt der Sichtweisen.

Biennale Co-Kuratorin Elizabeth Armstrong, die war von 2000 bis 2008 stellvertretender Direktor und Chefkurator des OCMA und leitete zuletzt das Palm Springs Art Museum von 2014 bis 2018, ist der ansässige Babyboomer und bringt institutionelles Wissen über die langjährige Ausstellung mit. Gilbert Vicario, jetzt Kurator für moderne und zeitgenössische Kunst am Phoenix Art Museum und mit über 20 Jahren kuratorischer Erfahrung in anderen Museen, besetzt den Platz der Generation X. Essence Harden, Kuratorin für bildende Kunst am California African American Museum, die auch Ausstellungen bei Los Angeles Contemporary Exhibitions (LACE) und dem Museum of the African Diaspora organisiert hat, bringt eine tausendjährige Perspektive ein.

Die Biennale von der beliebten Biennale „Made in LA“ des Hammer Museums zu unterscheiden, die aufstrebende und zu wenig beachtete Künstler vor allem aus der Gegend von LA präsentiert, war eine Überlegung, sagt Armstrong, die während ihrer Amtszeit am OCMA die 2002/04 mitkuratierte und ’06 Kalifornien Biennalen.

„Ich war schon immer daran interessiert, LA zu verlassen und in all die verschiedenen Teile Kaliforniens zu gehen, in denen Künstler arbeiten“, sagt Armstrong, „und es schien mir natürlich, das wieder zu tun.“

Auf diese Weise wurden auch die unterschiedlichen geografischen Hintergründe der Kuratoren berücksichtigt. „Essence verbrachte einen Großteil ihrer Karriere und ihres Lebens in Berkeley und Oakland und lebt jetzt in LA Gilbert wuchs in San Diego auf [near] das Grenze, sodass beide Perspektiven außerhalb des kulturellen Zentrums von Los Angeles haben“, sagt Armstrong. „Ich bin an der Ostküste aufgewachsen und habe Phasen meiner Karriere in Kalifornien verbracht, einschließlich der Hochwüste, und ich war wirklich fasziniert von Künstlern, die dort arbeiten. Wir haben wirklich versucht, uns Zeit zu nehmen, um an etwas schwer zugänglichen Orten in Studios zu kommen.“

Nachdem sie Hunderte von Künstlerarbeiten gesichtet hatten, besuchten Armstrong, Harden und Vicario im Laufe des Jahres 2021 etwa 150 Studios persönlich oder über Zoom. Sie reisten nach Norden und durchquerten die Regionen Sonoma und Napa sowie Oakland und seine Umgebung; und im Süden nach National City an der Grenze zu Mexiko. Sie verbrachten Zeit in abgelegenen Studios in der Hochwüste, einschließlich in Joshua Tree und Flamingo Heights in Yucca-Tal, sowie in geschäftigen Städten wie San Francisco, San Diego und LA

„Wir wollten wirklich ein Gefühl für den Puls dessen bekommen, was los ist, egal in welchem ​​Teil von Kalifornien“, sagt Armstrong.

Was herauskam, war eine besonders aktuelle Arbeit in einer kritischen Zeit angesichts der Pandemie, von der ein Großteil von einer viszeralen Materialität und einem multisensorischen Gefühl durchdrungen war. Es gibt kein übergeordnetes Thema für die daraus resultierende Biennale, abgesehen davon, „was Künstler während der Pandemie inspiriert hat“, sagt Armstrong.

Sharon Ellis’ „Night Storm“ (2012-19) wird in der kommenden Biennale zu sehen sein.

(Kohn-Galerie)

Dennoch zeichneten sich durchgehende Linien in der Arbeit ab. Das Gewicht der Geschichte – einschließlich der persönlichen Geschichten von Künstlern, der Geschichte Kaliforniens und des Impulses, die Geschichte zu überdenken, neu zu erfinden und zu revidieren – war einer von ihnen. Spiritualität und Heilung waren eine andere, beides Werke, die optimistisch aussahen oder sich anfühlten, und Materialien, die sich mit der Idee der Heilung befassten. Eine spekulative Fokussierung auf die Zukunft war eine andere.

„Und einige dieser Künstler verkörpern all diese Dinge“, sagt Armstrong.

Auch die Kuratoren sahen eine verbindliche Aufbruchstimmung und Aufbruchsstimmung. „Die Leute haben einfach wirklich durchgehalten“, sagt Armstrong. „Es geht darum, nicht aufzugeben und einfach so inspiriert zu sein von dem, was man macht, und von den Zeiten, die man durchlebt.“

Das gelte besonders für einige der älteren Künstler in der Ausstellung, betont sie. Raul Guerrero, 76, aus National City, und Sharon Ellis, 66, aus Yucca Valley, sind beide Künstler, die seit Jahrzehnten immer beeindruckendere Arbeiten machen, und das etwas unter dem Radar, sagt Armstrong. Für die Biennale Guerrero wird eine Gruppe großformatiger, erzählender Gemälde aus einer fortlaufenden Serie mit dem Titel „An Abbreviated History of the Americas“ zeigen; Ellis zeigt sieben kleine, leuchtend bunte „ekstatische Landschaften“, wie Armstrong sie nennt. Ihre Arbeit ist sehr unterschiedlich – die eine historisch, die andere eher kosmisch – aber die Arbeit beider Künstler zeigt einen Geist der Erneuerung.

Die Arbeit der in Oakland lebenden Sadie Barnette auf der Biennale – sieben großformatige Zeichnungen aus Graphitpulver, die Text enthalten – thematisiert ihre eigene Geschichte auf besonders ergreifende Weise, sagt Harden. Barnette hat die Werke 2021 in einer Zeit der Isolation geschaffen. Ihre Praxis berührt die Geschichte ihres Vaters, eines ehemaligen Black Panther, der von 1990 bis 1993 auch die erste von Schwarzen geführte Schwulenbar in San Francisco eröffnete, den Eagle Creek Saloon.

„Sie alle enthalten dieses Element der Familie und ihrer zwischenmenschlichen Geschichte“, sagt Harden über Barnettes Arbeit, „und diese Erklärungen einer befreiteren, gerechteren Zukunft. Sie gehören zur Geschichte und sind Schimmer oder Sehnsüchte nach Zugehörigkeit oder Hoffnung. Das sind gewagte Aussagen.“

Simphiwe Ndzube ist ein Künstler aus Kapstadt, Südafrika, der jetzt in LA lebt. Er hat eine neue Skulptur für die Biennale geschaffen, die von südafrikanischer Folklore inspiriert ist. Es ist eine 6 Fuß große, 20 Fuß lange Kreatur, eine Chimäre aus Ton und mit falschen Wimpern und Gebissen, die sowohl für Heilung als auch für die Zukunft spricht.

„Es ist eine Form, die sowohl von der Erde stammt als auch auf etwas Überirdisches hinweist“, sagt Harden. „Es ist eine Art magischer Realismus, der in einer Zeit der Nichtlinearität existiert. Ein Körper und eine Kreatur, die mit einem Sattel auf dem Rücken die Fürsorge einleiten, um sich um die Menschheit zu kümmern.“

Lily Stockmans „Canyon Fire“ (2022) reflektiert eine schroffe Wüstenstraße.

(Charles Moffett)

Die Arbeit von Lily Stockman aus Joshua Tree und LA in der Ausstellung wirkt meditativ. Es handelt sich um eine Serie von drei abstrakten Gemälden auf Ölbasis, die einen Straßenabschnitt, den Burns Canyon, in der Mojave-Wüste reflektieren und auf Reisen verweisen, die der Künstler dorthin unternommen hat.

„Die Straße ist eine zerklüftete Fläche, aber es ist ein nachdenklicher Ort, zu dem sie immer wieder zurückkehrt“, sagt Harden. „Für mich fühlen sie sich wie Geisterarbeit an, weil sie Portal-artig sind – sie halten einen wirklich fest und ihre Verwendung von Farbe und Linienführung strahlt eine Ruhe aus. Sie nehmen dich mit auf eine Reise.“

Von allen Werken in der Ausstellung, sagt Vicario, ein großes Gemälde mit mehreren Tafeln von dem 84-jährigen Ben Sakoguchi aus LA hat ihn am meisten bewegt. Das Stück heißt „Vergleichende Religionen“. Eine zentrale Tafel zeigt Albert Einstein in Laufshorts auf einem Felsen im Grand Canyon. Vierzehn kleinere Tafelbilder umgeben ihn, die verschiedene Aspekte der Weltreligionen darstellen.

„Ich finde es stark“, sagt Vicario, „weil er ein Künstler ist, der seit etwa 40 Jahren damit beschäftigt ist und über eine visuelle Kompetenz und die Fähigkeit verfügt, seine besondere Sicht der Welt durch dieses Format zu veranschaulichen. Es ist sehr satirisch – in gewisser Weise erinnert es mich teils an Mad Magazine und teils an politische Cartoons. Sie erhalten eine sofortige viszerale Reaktion. Es ist vollkommen präsent und aktuell und anders als alles, was wir gesehen haben.“

Der Besuch so vieler Künstler in so kurzer Zeit – in einer so dringenden Zeit in der Geschichte – hat sich als unerwartet ermutigend erwiesen, sagt Harden.

„Alle waren arbeitslos oder wirtschaftlich nicht in bester Verfassung, besonders Künstler, und ich sah immer wieder die Liebe aller und ihre Bemühungen, wieder zueinander zu finden“, sagt sie. „Ressourcen teilen, versuchen, Wege zu finden, Leute in ihren Studios einzustellen – das war ein wesentlicher Bestandteil unserer Gespräche mit Künstlern. Das war spürbar.“

Die Biennale verspricht eine fachübergreifende Dokumentation dieser Zeit zu werden.

„Es ist eine Explosion von Emotionen und Gedanken, die aus einem Lockdown herauskommen“, sagt Armstrong. „Ich habe die Metapher einer Schlange verwendet, die ihre Haut abwirft. Es ist eine wirklich interessante Zeit, eine Biennale zu machen. Es ist die Energie einer neuen Haut – diese Energie dessen, was sein könnte.“